Repositório RCAAP

Produzindo obras a partir da deterioração e da colagem das superfícies de materiais digitais coletados no arquivo dos bancos de dados da internet, artistas de diversas partes do mundo criaram recentemente o movimento estético chamado Vaporwave. Diante do agenciamento dado entre as representações e processos midiáticos com as possibilidades de ação do computador, o movimento propõe a visibilização das práticas e ideologias que compõem a tecnologia contemporânea. Na esteira de Vilém Flusser e Michel Foucault, empreendemos uma análise procurando entender como o Vaporwave opera um jogo contra o aparelho tecnológicoe aponta para uma possível transformação dos enunciados midiáticos.

Compreendendo a TV Social como uma estratégia de produção que revaloriza a grade de programação da televisão, identificamos e analisamos quatro delas a partir da observação da ficção seriada da Rede Globo. São elas: live-tweeting, determinação de hashtags, call for action e chat com o elenco. A despeito das particularidades de cada estratégia, foi possível observar posições e papéis comunicativos que dão lugar a uma dinâmica interacional, baseada na interdiscursividade e na intercambialidade de papéis inerentes às redes sociais.

Este artigo tem por objetivo localizar a celebridade como um elemento simbólico ativo na vida cotidiana e compreender sua ascensão enquanto espírito de nosso tempo. Para isso, é necessário adentrar ao fenômeno das webcelebridades, isto é, as celebridades que se originam da internet, rompendo com o estatuto histórico da fama e transformando o cotidiano de seus personagens (o homem ordinário) em assuntos passíveis de serem espetacularizados.

O presente artigo discute a partir de uma perspectiva ética e estética o problema da representação em jogos documentais. Mais especificamente, trataremos de jogos de teor político que visam problematizar conflitos no oriente médio. Para tanto, o trabalho lança mão da teoria pós-colonial (SPIVAK, 2010; MIGNOLO, 2003) e da noção de estética como política em Rancière (2009; 2010) em diálogo com o campo de estudo dos jogos. Pretende-se com isto apresentar um olhar crítico acerca do caráter político de representações consideradas pegagógicas ou documentais, onde o colonialismo se apresenta como um dado fundamental para a apreensão do sentido

O videoclipe em plataformas digitais interconectadas como nova forma de ouvir e ver música. Produção, circulação e consumo da música na sociedade em rede. A natureza interacional e lúdica de videoclipes veiculados na Web. Aproximações entre videoclipe e videogame. Criação e percepção de videoclipes musicais como experiência estética sensível e compartilhada. Música como arte e entretenimento. Interatividade e interação. Dinâmicas colaborativas e a aproximação entre artista e espectador como dinamização da cultura do fã. Recursos técnicos (ou tecnológicos) utilizados na produção de videoclipes presentes na Web. Exemplos de videoclipes que se assemelham a videogames.

A proposta deste artigo é buscar traçar algumas aproximações conceituais sobre a noção de engajamento, abrangendo diferentes níveis de experiência dos sujeitos. Para tanto, será realizada uma revisão bibliográfica, buscando, com isso, apresentar princípios da compreensão sobre a noção de engajamento em seus aspectos comportamentais, emocionais e cognitivos, e discutir as diretrizes que influenciam a experiência do consumidor mediada pelo engajamento em jogos e em produções multiplataformas.

Neste artigo aborda-se a representação do personagem Luke Cage, inspirado nos quadrinhos da Marvel e adaptado pela empresa Netflix. Objetiva-se observar a questão racial, considerando a história e o contexto de alguns personagens, como também se apresenta uma reflexão sobre a emancipação política da comunidade negra no Harlem. Nesse sentido, a pesquisa trata da análise das características do herói na trama e suas representações no espaço de uma comunidade sitiada, observado nos primeiros onze episódios. Para tanto, a pesquisa bibliográfica baseia-se no conceito de representação (HALL, 2000; FERRO, 1975), de racismo e emancipação política (FANON, 2010), como também, sobre o gueto (WACQUANT, 2008). Esta abordagem proporcionou uma análise sobre personagens que simbolizam o processo de emancipação de um povo submetido às vicissitudes de uma sociedade racista.

A necessidade de formular a conceituação da competência midiática conduz a uma perspectiva mais ampla na qual convergem aspectos vinculados à competência audiovisual e à competência digital. Ambas constituem o marco de referência da competência básica do currículo vigente na Espanha, denominada “O tratamento da informação e da competência digital”. Apesar das experiências que estão sendo realizadas tanto em comunicação audiovisual quanto digital, ainda são poucas as tentativas de definir, de maneira precisa, os conhecimentos, as habilidades e as atitudes necessárias para considerar-se competente em ambas esferas, inescusáveis no momento de pôr em prática os processos de ensino-aprendizagem. Este trabalho parte da análise de seis importantes estudos sobre a temática da alfabetização tanto digital quanto audiovisual. Considerando-se aspectos como os destinatários, a conceituação utilizada em cada um desses estudos, as dimensões que formulam, o tipo de taxonomia, indicadores e as propostas didáticas: objetivos, conteúdos, atividades, sistematizados em uma série de dimensões e indicadores para definir a competência midiática e formular o desenho de atividades para uma proposta didática de acordo com os indicadores estabelecidos. A pesquisa desenvolvida nos permitiu afirmar a necessidade da convergência terminológica, assim como a elaboração de recursos, a partir dos indicadores definidos, que incidam sobre os distintos âmbitos da competência midiática de uma maneira efetiva e que sirvam para executar atuações didáticas nos distintos grupos que compõem a sociedade atual.

Existe um crescente impulso em direção a uma espécie específica de realismo no mercado dos jogos digitais. Para Lev Manovich, a cultura do mass media é pautada por uma visualidade cinemática que impõe sua agenda, o realismo fotográfico, sobre os outros produtos. Esse realismo, nos jogos, será gerado de forma sintética e precisará de uma teorização distinta que neste trabalho será apresentada sob a linha relativista. Por fim, questiona-se sobre a necessidade do realismo visual. 

Este artigo discute que entre as aproximações crescentes aos game studies há uma re-imaginação crucial de jogos digitais em seus contextos materiais através de escalas e registros diferentes: a máquina, o corpo e as situações do jogo. Esta re-imaginação pode ser observada em uma série de abordagens: platform e software studies, que examinam a materialidade do código e / ou a infra-estrutura tecnológica através da qual esta é promulgada; estudos críticos do trabalho digital; estudos etnográficos detalhados que examinam as culturas dos mundos on-line e situam o jogo em relação às práticas cotidianas. O artigo se debruça sobre estas três vertentes, focando em como elas apontam para um aumento de sua importância para os game studies, proporcionando acesso a diferentes contextos e conectando a pesquisa de jogos digitais a questões interdisciplinares mais amplas.

O dossiê “Entretenimento Digital: Meios e Processos do Lúdico na Cultura Contemporânea” tem o objetivo de legitimar as questões e propostas destes objetos de pesquisa, ao mesmo tempo clarificando a profusão de temáticas relacionadas ao lúdico, e suas diversas articulações teórico-políticas possíveis. Neste sentido, acredita-se que o tema do entrenimento digital pode ser muito profícuo para o campo da Comunicação de uma forma geral, promovendo os diálogos interdisciplinares tão necessários para a nossa área. Editores: Thiago Falcão (UFMA) e Letícia Perani (UFJF).

Tendo como base a ideia de Chartier (1999) de que novos suportes têm vindo a acionar, ao longo da História, novos modos de ler e, consequentemente, novos tipos de leitor defenderemos ao longo deste artigo a necessidade de repensar, à luz do surgimento de um novo suporte e de um novo espaço de escrita – o digital – o papel do leitor, admitindo, que a sua figura sofre, nesse processo, um conjunto de reconfigurações, contribuindo a materialidade do digital para nos apresentar um leitor 2.0: leitor imersivo, leitor performer e leitor jogador.

Nossa época é marcada por uma obsessão pela gravação e pelo arquivamento da nossa experiência através do uso das tecnologias. Tal constatação nos leva a um dos futuros possíveis no tocante à memória técnica, leia-se: uma realidade na qual tornou-se comum o uso de próteses mnemônicas que armazenam todos os dados da percepção, propiciando a rememoração irrestrita do vivido; é precisamente esta a premissa do episódio Toda a sua história da série Black Mirror. A partir da análise do mesmo, o presente artigo almeja esmiuçar as implicações sociais e culturais da tecnologia empregada nele, sobretudo os seus usos e abusos, tomando como base teórica as discussões em torno da memória viva, da cultura da memória, do arquivo, da memorização tecnológica e, também, do esquecimento.

Este texto discute e amplia as proposições de Silva (2017) acerca da posição dos estudos sobre América Latina na Teoria da Comunicação. Baseado em pesquisa quantitativa, o autor indica a pouca presença dessa temática nas principais revistas acadêmicas brasileiras. Ampliando esse argumento, este texto discute questões metodológicas responsáveis por compor um quadro de ausência de diversidade na Teoria da Comunicação. O texto se desenvolve em três partes: (a) a chamada “Teoria da Comunicação” é, de fato, um grupo de propostas criados por poucos pesquisadores, em espaços e tempos específicos; (b) É necessário, no entanto, tomar cuidado com associações mecanicistas dessa proposição; (c) a ausência de diversidade deve ser pensada a partir das contradições na produção sobre Comunicação, tanto quanto suas condições sociais e econômicas de formulação.

Este artículo propone una relectura de la historia del cine, que resinifica su relación original y constante con el Ocultismo. Además de la obvia presencia de temáticas esotéricas y paranormales en los argumentos cinematográficos, ese artículo pretende dilucidar una serie de correspondencias profundas entre el arte y la técnica cinematográficos y las áreas del conocimiento de las que se ocupa el Ocultismo. En este sentido, desvela que no sólo el cine fantástico y de terror aprovecha el acervo esotérico, sino que este nutre también terrenos bien diferentes como el documental, el ensayo visual, el cine experimental e incluso comedias o filmes de animación, rebasando a menudo la mera inclusión de tópicos ocultistas para convertirse en una simbiosis formal, estética e incluso ética, en la que el cine, medio y fin, instrumento y vehículo, adquiere para sí las funciones y el prestigio de una vía mágica de conocimiento. 

Where is art in the digital era? This essay identifies the digital as an abstract, formal system. Since art has always relied on formal, abstract systems to carry and deliver itself, what are the implications for art in the digital era? Is the digital a site for art, or is it the other way around? Can there be digital art? Identifying limit and boundary problems as the crucial existential problems for the digital, the essay shows that art has always concerned itself with such problems. This prompts the question as to whether it is possible that human existence and art become the same thing in the digital. Because the digital is currently primarily manipulated in the service of globalist economics, this is clearly not (yet) the case, so what does this mean for art? The essay then briefly examines the self-declared movements of dada, post-digital and post-internet art, concluding that these movements are not capable of questioning the digital as digital, before going on to examine some artists whose practice may be providing guiding lights toward a genuinely digital art.

In this artistic research, I argue that a range of artistic practices is capable of addressing relevant issues in our material, specifically our urban, environment. In particular, conceptual interventions or non-theatrical performances, which are in most cases mundane everyday activities that require transformation through media to be understood as art. Yet, as human memory is susceptible, media is also required to provide proof of the action for archives or exhibitions, or simply as a memento of the artwork itself. Lens-based media, such as photography and video-recording, are in most cases the ideal form of documentation and distribution, while the actual performance is transferred to another genre of artistic practice and dissociated from the immediate experience of the moment.This paper introduces the enduring work of the author’s alter ego, The Urban Beautician, and defines her actions and documentation of this work within the framework of the conceptual and performance art scene. An assiduous assessment of her artistic ancestry is given and a catalogue of her endeavours, categorised by diverse subjects, arranged to isolate the themes and to connect the topics. 

In the coming decades, new technologies will change our lives and the way in which we perceive them in hitherto unimaginable ways.Future Design is acreative collusion of science, technology and art– an experimental laboratory for new art forms and perspectives on the social impact of technologies within Europe.Future Design explores the future of digital technology from atoms to bits and from bits back to atoms again, highlighting the ways in which these technologies are adapted in different cultural contexts. The chief objective is to attract widespread attention to these technologies, to generate debates and interest in their use among independent artists and otherwise under-represented groups.Future Design provides new and critical views on imagination and new insights into reality.In view of the risks and possible collateral damage connected to these new technologies, scientist and artist must make a stand for their values, and do so by openly discussing the potential and risks, and by formulating a vision for the Earth and BEYOND.

This essay examines the contrasting visions of the expressive powers of the human face—both from neuroscientific approaches rooted in Darwin which argue for a codified system of six basic emotions universally recognized (happiness, sadness, anger, fear, disgust, surprise) and from the visual arts of cinema, television and portraiture painting that rely on facial close-ups to represent an emotional fluidity that is always subjective. As a means of reconciling the two approaches, it turns to the current study of infants by developmental psychologists (like Peter Mundy and Daniel Stern) who stress the importance of an infant’s ability to read the mother’s face, which facilitates joint attention, the acquisition of verbal language and social interactions with the world. Although Stern’s imaginative dialogues sound literary and subjective, his description of the infant’s encounter with the mother’s face is actually consistent with the explanation by neuroscientist Antonio Damasio (1999) of how consciousness is first launched in the “core self.” By treating the mother’s face as the crucial object in the infant’s early development and by perceiving this encounter awash in reflective feelings (which Damasio distinguishes from basic emotions shared with other species), he helps explain the dichotomy between the two systems of emotive facial expressions: reading the specific codified emotions (in humans and other species) versus experiencing the flow of (what Damasio calls) “background feelings” that continuously play across the human face. By emphasizing the theories of Béla Balázs and films of Ingmar Bergman and Chick Strand, which literally teach us how to read these background feelings moving across the human face, this essay claims facial close-ups do not distract us from our social circumstances or political action as Walter Benjamin argued. Instead they can have an ideological edge in a wide range of genres as they enable us to see this emotional engagement in joint attention both as a form of interpellation and as a means of survival—not only for infants but for all those engaged with the visual narrative arts.

The evolution of electronic music practice over the past half century has not gone precisely as we expected.  In this paper, we describe four respects in which the development of electronic music was either overtaken by unexpected developments, or, itself, headed in new and unexpected directions.