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Este trabajo intenta revisar de forma preliminar y exploratoria algunas construcciones discursivas que se reconocen en torno a las producciones de arte contemporáneo. Entender este tipo de propuesta plástica comprende ciertos criterios estéticos que diferencian el conjunto llamado contemporáneo de la totalidad de las producciones artísticas. Por consiguiente, nos detenemos en aquellas experiencias que instalan como musa inspiradora piezas artísticas de colecciones públicas y privadas, que a través de la práctica de apropiación genera nuevos planteos sobre la autenticidad de una obra de arte. Por esta razón el recorrido nos obliga a problematizar, en primer lugar, características presentes en la producción contemporánea, y segundo en aspectos de la práctica apropiacionista, mecanismo crítico sobre la originalidad de una pieza artística. Por último, ejemplificar este tipo de experiencia desde la obra Museo de Arte Contemporáneo de Lima (LiMAC) de la artista Sandra Gamarra. Este análisis trata de aportar nuevas miradas sobre interrogantes analizados a lo largo de la historia del arte, pero desde la especificidad que despliega este modo de ser contemporáneo, que nos ubicará en una relectura de relaciones, discursos e instituciones artísticas para reflexionar desde su propia naturaleza

A escultura pública situada no teatro urbano, visualmente alicerçada por elementos simbólicos, estabelece um diálogo entre indivíduos, territórios, tempos, e apresenta-se diariamente numa configuração formal diversificada, espelhando a sua identidade num espaço onde ocorrem interações comunicativas entre a obra e os cidadãos resultantes quer das caraterísticas do objeto artístico, quer dos significados individuais e convenções coletivas construídas. A presença da escultura pública na vida do cidadão é uma evidência e suscita comportamentos e relações entre ambos. Mas será que o diálogo entre o cidadão e a escultura se estabelece? Até que ponto a escultura pública que povoa os espaços pelos quais deambulamos faz realmente parte do nosso quotidiano? De que forma a escultura contribui para o desenvolvimento artístico-cultural do individuo? Este texto centra a sua atenção na necessidade de equacionar a importância e a relevância da escultura pública no horizonte contemporâneo – que implica pensar o conceito artístico, o posicionamento do sujeito face à diversidade de esculturas no espaço urbano e os seus comportamentos, perspetivando o valor educativo de que as obras se revestem para ir ao encontro de novas formas de apropriação visual, através de uma educação artística que reconheça o cidadão enquanto construtor do seu próprio conhecimento e da sua identidade, possibilitando-lhe adquirir as competências necessárias para estabelecer um encontro com as esculturas e tornando-o recetor da sua própria cultura.

Investigou-se a presença de letras de músicas brasileiras (de quaisquer gêneros) utilizadas como estratégias de ensino em 6 coleções de livros didáticos da disciplina Ciências, utilizados no Brasil para as séries finais do Ensino Fundamental (sexto ao nono anos), totalizando 24 livros. Apenas 32 letras de músicas foram evidenciadas em mais de 6200 páginas estudadas. Dos 24 livros analisados, 10 não possuíam nenhuma música utilizada como estratégia de ensino. 12 músicas, dentre as 32 que foram encontradas, apresentaram a letra integralmente. As letras foram submetidas à análise de conteúdo para identificação de categorias associadas aos eixos temáticos propostos para o ensino de ciências no país, e “Vida e Ambiente” concentrou 21 das 32 músicas. Os conhecimentos e as informações divulgadas no presente artigo podem facilitar o processo de escolha dos livros didáticos pelos professores de ciências, favorecendo uma escolha reflexiva, crítica e consciente.

El presente artículo tiene como objetivo dilucidar la productividad de la escena teatral porteña de los noventa en el cine del nuevo siglo a partir del examen de tópicos y procedimientos narrativos y expresivos. Proponemos detenernos en la articulación de ambos lenguajes a través del análisis del diálogo intermedial y la parodia presentes en el texto dramático La escala humana (2001) de Alejandro Tantanián, Javier Daulte y Rafael Spregelburd y en el film Castro (2009) de Alejo Moguillansky. Además de elaborar sus discursos a través de procedimientos escriturales similares, podemos identificar en ambas textualidades la estética absurdista como estructura subyacente y la trasgresión sistemática a las reglas del género policial.

A pesquisa apresenta trajetórias e deambulações do meu processo artístico, na tentativa de configurar uma cartografia do intermediário, um espaço intervalar, como zonas de coexistência de um mundo habitado dialogicamente mediadas pela noção da pintura expandida nas práticas das artes visuais. Nesse processo, o objetivo tem sido evocar a impermanência, traduzida em espaços pictóricos, que permitam encontrar o estável no móvel e fazer uma referência ao movimento, ao ato de movimentarse, a partir das construções improvisadas e temporais e das práticas do deslocamento. A reflexão transita pela exploração da noção de deslocamento, fio condutor que dirige e motiva, tanto o marco teórico, como a produção plástica.

O Reis de Boi é uma manifestação da cultura popular brasileira ligada aos festejos do chamado ciclo natalino e tem por devoção os Reis Magos. Originária de manifestações religiosas ibéricas, as tradições populares dos Reis Magos chegam ao Brasil com os portugueses, na época da colonização. A cultura portuguesa está espalhada nesse país de norte a sul e de leste a oeste, porém, miscigenada com as culturas indígena e negra. O que torna esse imenso território interessante é que podemos observar danças, músicas, festas, folclores num colorido ímpar, exatamente por essa miscigenação. Num misto de sagrado e profano os grupos de Reis de Boi dançam e cantam enchendo de alegria os corações das crianças e dos adultos. Com as batidas dos pandeiros, os acordes das sanfonas e o dedilhar dos violões abrem-se os sorrisos e a festa começa. Esse artigo pretende contribuir para a ampliação de publicações acerca dessa manifestação, contribuindo assim para a visibilidade e o reconhecimento dessa importante prática cultural.

Partindo da condição interdisciplinar inerente ao desenvolvimento da obra musical contemporânea, é realizada uma abordagem a processos de criação musical baseados na sonoridade da língua portuguesa europeia. Trata-se de “Eternidade”, sobre o poema “Explicação de Eternidade” de José Luís Peixoto, onde a declamação cede todos os seus parâmetros de organização sonora para a construção da obra musical. São então focados os aspetos que rodeiam a criação musical, na procura de um sistema composicional que respeite a entoação, a acentuação, o ritmo, entre outros elementos, característicos da língua portuguesa europeia. Para tal, são estudadas os diferentes dialetos existentes em Portugal, de acordo com o que defende Cintra (1983), procurando desenvolver ferramentas que permitam uma fusão entre a língua falada e a “música” que dela resulta.

Este escrito pretende realizar especulações sobre o performer como um insurgente da cena contemporânea, isto porque, quando está em cena, esse artista tenta encontrar um elo entre arte e vida, e não a separação de ambas, pois passa a assumir através da presença de seu corpo a função de ser sujeito, objeto e trajeto de arte na efemeridade em sua performance, visto que tem por objetivo a definição de um estilo artístico poroso, de uma linguagem própria que seja expressa pelo seu corpo em ação.

La investigación que hemos desarrollado analiza una serie de retratos pertenecientes a la colección de arte de la Región de Murcia y que son buen ejemplo del ánimo decimonónico por la Historia y el auge que se vive en el siglo XIX por el género del retrato. En este contexto aparecen una serie de ejemplos de retrato de historia en la colección autonómica de arte en el que personajes relevantes del pasado son reinterpretados por artistas posteriores tratando de ajustarse a la imagen que de ellos se tenía.

Estudo das qualidades dinâmicas e da ação de forças presente nos modos mixolídio, dórico e frígio, e de seus potenciais na prática clínica musicoterapêutica, em especial nas improvisações clínico-musicais.

In this study, I analyse different Argentinian forms of vocal expression regarding the development of musical skills that such forms need. In order to sort the analysis, I decided to set up the examination of a special issue of Pequeños Universos (Irigoyen and Cacopardo, 2012) as a starting point. The TV program Pequeños Universos is a production of Canal Encuentro, an initiative promoted by the Education Ministry of Argentina. Through a purely documentary style, his host, Chango Spasiuk, delves into the searching, understanding, and spreading of music from different regions of the country. It is an invaluable resource for the analysis, since it’s realization involves records of different characteristics: multimedia recordings (audio and video), statistical and historical data and interviews to important personalities. The chapter discussed here, a compilation entitled "Voice", belongs to the 4th Season of the program and focuses on documenting and comparing different modes of vocal expression that occur in the country. It mainly explores the characteristics of the vocal production of the Singing Women of Varvarco (Neuquén Province), the Payada (specifically in the town of General Madariaga), and the Opera Singing and Choir Practice (in Buenos Aires Province and Chubut Province). It is interesting to investigate the interactions the actors established with their different sociocultural context and the fundamental characteristics of these interactions. In particular, and in line with the proposal of various authors, I propose here that the emergence of such forms of vocalism is a meeting point between biological and cultural factors. The proposed analysis is discussed in terms of the current theoretical debate on Human Musicality, Cultural Interaction, Cognition, and Ontogenetic Development.

In this lecture we will define several associative modalities of creation, production and management in the Argentine alternative theater, based on a study of the work of 20 playwrights-directors-actors whose age ranges between 30 and 40. In a period that coincides with the social impact of neoliberalism and the financial crisis of 2001, new forms of interaction within the theater system occur. A shift can be observed to an artist-manager that develops several strategies of association, such as collaborative writing, the rotation of roles and the participation in theater groups. These modalities are based on a shared understanding of theater. In order to describe this collective theater conception, we will use the theory of social representations Moscovici; Rose and Efraim; Monchietti), which has gained interest as one of the major perspectives in the social sciences. This theory will allow us to see the artists as participants in a group that shares a representational field, which sets them apart within the vast theatrical field. The consensus on social representations does not stem from an agreement among participants and nor is it free from tension and fragmentation. We will exemplify this last aspect with the communication strategies employed by these artists, such as the use of press agents.

The objective of this research is to discuss the problem of how architectural spaces exist and attend in Iranian miniatures. That is professional way and planning to encounter particular and valuable architecture that today there is in Iranian miniatures. This study with the aim of identifying framework Structure of conducted architecture and reference to articles, professional resources and survey has attempted to provide an appropriate field for understanding the reason and logic about this valuable architecture. This Structure has been formulated, after identifying miniatures in the first stage and analyzing their contents in the second stage. Among the results gained after miniatures analysis: architecture functionality beyond its social meaning, scale independence of the building and human scale of the buildings, simultaneous images of inside and outside space and special idealism can be mentioned. The results of this study can be considered in architectural planning and urban development of Iran, and can pave the way of future researches.

Perspectivar a Educação Digital e as suas potencialidades no processo ensino-aprendizagem (LAMAS & LAMAS, 2011) é um dos actuais desafios da educação na procura do sucesso de todos e de cada um (SANCHES, 2005). Como argumenta George Steiner, “No Musicology, no music criticism, can tell us much as the action of meaning wich is performance” (STEINER, 1989, p. 8). Torna-se fundamental experienciar novas vivências artísticas, contribuir para uma formação mais assertiva implementando níveis mais elevados de performance e reflectir o papel da educação e da formação constante – Long Life Learning –, no fundo, a competência de aprender a aprender (FAURE, 1973). O recurso às novas tecnologias transporta-nos ao trabalho em equipa – colaborativo e cooperativo –, de forma a alcançar novos sentidos nas multiplicidades assumidas no domínio pedagógico-didáctico, bem como a aprender uns com os outros, tirando partido dos contributos de cada um, resultado do confronto de perfis e conhecimentos variados (PESTANA et al., 2011). Este processo convoca o(s) professor(es), induz de forma natural a metacognição – o saber ser, o saber estar e o saber fazer –, de forma a renovar e recriar o saber e a dar resposta aos desafios colocados pelo paradigma actual da educação.

Desde os seus primeiros anos de existência, em meados da década de 1950, até meados da década de 90, que a Fundação Calouste Gulbenkian (FCG) apoiou direta ou indiretamente bandas de música amadoras, quer através da concessão de subsídios e instrumentos, quer no âmbito da formação de elementos e promoção do trabalho artístico destes agrupamentos musicais. Apoiado, em grande medida, nos relatórios de contas da FCG, este artigo pretende analisar e dar a conhecer o contributo da FCG, em particular do seu Serviço de Música, às bandas de música amadoras ao longo de cerca de quatro décadas. Podemos considerar relevante a contribuição desta instituição para a manutenção e desenvolvimento de muitos destes agrupamentos, não só ao nível dos apoios monetários e materiais, mas também no que diz respeito à formação de maestros e executantes, e ainda à promoção destes agrupamentos musicais. O papel da FCG foi ainda mais valioso se tivermos em conta que a maioria desses apoios foi efetuada num período particularmente crítico para as bandas de música. Contudo merece também realce a discrepância entre os apoios monetários atribuídos a esses agrupamentos amadores – em média apenas cerca de cinco por cento do total dos subsídios atribuídos - e aqueles que eram dirigidos a outros agrupamentos, projetos ou atividades.

From the beginnings of the Cinematographic Art, the adoption of the representative and narrative form of fiction determined the actors' participation in the movies. In this way, the acting performance in film early became a legitimate object of study. Nevertheless, the same one waits even for the establishment of proper parameters of elucidation. This fact is closely derived from the persistence of the theatrical Performance (original declaration of the art actoral) like problem yet poorly addressed by the theory. Having tackled, in previous works, the elaboration of tools for the theoretical analysis of the theatrical performance, the present article has to realize for an object a preliminary trailing of the form at which the diverse analyses over the cinematographic art have been employed the topic of the actor. In addition to analyzing the contributions of the scarce specific studies on the topic, we will check the contributions of the historical studies that, although they are centred on other aspects of the cinematographic art, refer to questions that involve the actor. We will divide the exhibition of these contributions in diverse topics, which constitute possible future investigation areas as for the Cinematographic Performance. First of all, the works that reflect on the technical or plastic questions of the cinematographic art. In the second term, the reflections on the narrative aspects, both as for development of MRI and MRP, and to the constitution of the genres. And finally, the works which delve into the role of the actor in the context of the film as an industry of masses.

La última dictadura militar argentina fue un proceso complejo que articuló proyectos políticos, económicos, sociales, culturales y artísticos. Y si bien podemos decir que las ciencias sociales han avanzado mucho en el estudio de las prácticas de violencia física desplegadas por el Terrorismo de Estado, quedan aún muchas preguntas sobre los programas culturales que cristalizaron la dominación simbólica. Este artículo procura contribuir al campo de la Historia Cultural centrando la mirada en esa segunda línea de trabajo. El presente texto reconstruye y analiza el caso de una institución fundada por la dictadura: el Paseo de las Artes de la ciudad de Córdoba, segunda urbe de Argentina. A partir de allí podremos adentrarnos en ciertas características de la “política cultural” (MILLER & YÚDICE, 2004) desplegadas no solo en terreno cordobés sino también en Buenos Aires: ceremonias, objetivos (in)visibilizados, usos y representaciones asignados a la Cultura en general y a las Artes en particular. Conjuntamente, exploraremos singulares “intersticios de resistencia” (FOUCAULT, 1992) con los cuales algunos jóvenes artistas lograron preservar espacios para la libertad de expresión en un contexto autoritario de Estado de Sitio. El corpus documental de esta investigación comprende tanto fuentes escritas como testimonios orales. A la vez, desde un enfoque teórico interdisciplinario, sostenemos que el imaginario dictatorial defendía la existencia de una guerra integral contra el comunismo, una III guerra mundial que, desde su visión, se libraba tanto en planos materiales como espirituales. Así, junto a la fase destructiva que hizo desaparecer a aquellas personas e ideas consideradas subversivas, el régimen también desarrolló una acción constructiva que intentaba (re)fundar un orden social tradicional cimentado en la trilogía de Dios, Patria y Familia. En ese marco, las políticas culturales dedicadas a las artes fueron uno de los dispositivos de la lucha simbólica con la cual la dictadura intentaba conquistar mentes y almas de los sujetos autorizados a seguir viviendo.

A presença da música vocal na produção do compositor brasileiro Camargo Guarnieri (1907-1993) é extremamente marcante. Suas canções foram produzidas ao longo de setenta anos de atividades ininterruptas, escritas a partir de 1923 e em parceria com poetas consagrados. O presente trabalho tece algumas considerações sobre a construção de novos caminhos compositivos a partir dessa prática musical de Guarnieri, que sempre escolheu textos em idioma português, afro-brasileiro e ameríndio. Faz alusão a Mário de Andrade (1893-1945) e sua presença em todo o desenrolar do Movimento Modernista, atuando como verdadeiro mentor intelectual de uma geração que vivia na efervescente São Paulo metropolitana. Procura refletir sobre os principais materiais utilizados por Guarnieri, suas reincidências e desistências, evidenciando inclusive aspectos ligados à prosódia, como as aplicações das métricas musicais que transcrevem as métricas poéticas. Há que se considerar os poemas, ensaios e demais gêneros literários que circulavam no entorno dos anos 1920 e que aparecem em significativas obras vocais guarnierianas. Sob esta ótica, discute-se o mosaico de ideias em que se ancorou o compositor em foco e a valorização dessa pluralidade num ambiente sintonizado com o novo milênio

O presente artigo tem como objetivo suscitar uma abordagem reflexiva acerca da dança-teatro, principalmente a criada pela coreógrafa alemã Pina Bausch, sob a perspectiva da memética. No decorrer do escrito, há a discussão em torno do surgimento e desenvolvimento da dança-teatro alemã no século XX, assim como sobre a vida, a carreira artística de Bausch e os desdobramentos meméticos presentes nos processos criativos e coreografias de sua dança-teatro.

La presente investigación analiza la tipología del retrato cívico dentro de un género fundamental para entender el arte a partir del siglo XIX. En este trabajo se aborda el estudio de una serie de obras que pertenecen a la colección autonómica de arte de la Región de Murcia, y que ejemplifican algunas características comunes a este tipo de retratos como la total libertad técnica y estilística. Por un lado nos encontraremos con una serie de retratos que surgen de la relación de amistad entre los artistas y los modelos, como son los de Benjamín Palencia o Vicente Media, mientras que por otro lado hallaremos aquellas obras que nacen del homenaje intelectual que los artistas brindan a sus representados, como ocurre en los casos del retrato de Antonio Machado o la obra del Equipo Crónica sobre Picasso.